Tanzquartier Wien

dragonfly hakt sich in Routinen, verstößt gegen das Protokoll und flüstert uns Ungehorsam ein. Das Alltägliche wird zur Bühne einer Erprobung flexibler und zugleich kompromissloser Taktiken, um dominante disziplinierende Strukturen zu konfrontieren. Durch eine Live-Verhandlung der Beziehung von Körper, Objekten, Sound und Publikum begibt sich Jakob Wittkowsky auf die Suche nach möglichen strategischen Haltungen zwischen Trotz, Zögern, Klage und Unfug. Im Versuch, Bewegung und Bedeutung neu zu codieren, stellen sich Fragen nach Begehren, Rücksichtslosigkeit und Verantwortung. Ein chaotischer und doch präziser Tanz entlang der Grenzen des Rationalen.

In einer Welt, in der Länder, Sprachen und Folklore längst zur Ware geworden sind, bietet nur noch Draußen Zuflucht, wobei die unberührte Natur nicht mehr die vorrangige Referenz dafür ist. Landschaften aus unebenen Dielenböden, Täuschungsspiegeln und rutschigen Stufen amüsieren uns und haben sich als profitabel erwiesen. Die geologische Zeit verrinnt bis zum völligen Verschwinden und lässt die menschliche Zeitlichkeit wie auf Speed erscheinen.

Ausgerüstet mit CDJs, einem Banjo und einem Kajak navigieren Netti Nüganen, Pire Sova und KISLING durch viele unterschiedliche Bedeutungen von „Örtlichkeit“. Was soll man von Ursprünglichkeit halten, wenn der Einfluss einer dominanten Kultur importierte Waren zu einem Teil des Brauchtums gemacht hat und gleichzeitig das Wort „lokal“ immer noch touristischen Mehrwert produziert? Ash, horizon, riding a house lädt das Publikum ein, sich eine Zugehörigkeit auszumalen, die vom momentanen Standpunkt aus nicht zu sehen ist. Man muss sie sich erst vorstellen.

Mit seinem Soloprojekt bezieht sich Stefan Grimus sowohl auf zeitgenössische Konzertpraktiken als auch auf die Randzonen der Popmusik. In seinem Schaffen verknüpft er elektronische Texturen und Gesang mit Stücken für E-Gitarre. Er schafft Bilder und Stimmungen, die an verblasste Erinnerungen und filmische Szenarien erinnern.

dragonfly hakt sich in Routinen, verstößt gegen das Protokoll und flüstert uns Ungehorsam ein. Das Alltägliche wird zur Bühne einer Erprobung flexibler und zugleich kompromissloser Taktiken, um dominante disziplinierende Strukturen zu konfrontieren. Durch eine Live-Verhandlung der Beziehung von Körper, Objekten, Sound und Publikum begibt sich Jakob Wittkowsky auf die Suche nach möglichen strategischen Haltungen zwischen Trotz, Zögern, Klage und Unfug. Im Versuch, Bewegung und Bedeutung neu zu codieren, stellen sich Fragen nach Begehren, Rücksichtslosigkeit und Verantwortung. Ein chaotischer und doch präziser Tanz entlang der Grenzen des Rationalen.

In einer Welt, in der Länder, Sprachen und Folklore längst zur Ware geworden sind, bietet nur noch Draußen Zuflucht, wobei die unberührte Natur nicht mehr die vorrangige Referenz dafür ist. Landschaften aus unebenen Dielenböden, Täuschungsspiegeln und rutschigen Stufen amüsieren uns und haben sich als profitabel erwiesen. Die geologische Zeit verrinnt bis zum völligen Verschwinden und lässt die menschliche Zeitlichkeit wie auf Speed erscheinen.

Ausgerüstet mit CDJs, einem Banjo und einem Kajak navigieren Netti Nüganen, Pire Sova und KISLING durch viele unterschiedliche Bedeutungen von „Örtlichkeit“. Was soll man von Ursprünglichkeit halten, wenn der Einfluss einer dominanten Kultur importierte Waren zu einem Teil des Brauchtums gemacht hat und gleichzeitig das Wort „lokal“ immer noch touristischen Mehrwert produziert? Ash, horizon, riding a house lädt das Publikum ein, sich eine Zugehörigkeit auszumalen, die vom momentanen Standpunkt aus nicht zu sehen ist. Man muss sie sich erst vorstellen.

SKINFOLD ist eine choreografische Auflösung von Fleisch und Form und hebt die Gliederung in Körperteile auf. Beeinflusst von Monique Wittigs The Lesbian Body, das allgemeine Sprachregelungen in einer radikalen Neudefinition des Fleisches überwindet, sprengt SKINFOLD den starren Rahmen von Körper- und Sinneswahrnehmung. Die durch Erwartungen und Identität auferlegten verhärteten Formen werden verflüssigt. SKINFOLD zerbricht die konventionelle Grammatik des Körpers und verwandelt diesen in ein unbeständiges, wandelbares Terrain, auf dem Vertrautes in fließende Mehrdeutigkeit umschlägt. Die Haut faltet sich in sich selbst, die Grenzen der Gliedmaßen werden verwischt, und was einst stabil schien, wird zu etwas wunderbar Unbekanntem.

A scene, your stage, my coma ist das Porträt eines Körpers, konditioniert für die Bühne und zum Auftritt bereit. Die Zuseher*innen sind eingeladen, einer Solodarstellerin (Andersen), die die Komplexität und die chamäleonhaften Tendenzen eines inszenierten Arbeitslebens aufzeigt, aus der Nähe zu folgen. Im Bewusstsein der Überschneidung von Größenwahn und Imposter-Syndrom verdeutlicht die Performance die undurchschaubare Absurdität der Beziehung zwischen Publikum und Darstellerin. Die auf 16-mm-Film gedrehte Arbeit überträgt die Flüchtigkeit anhand von Zeitkapseln auf den Filmstreifen. Eine Hommage auf Showgirls, die in Anbetracht des Zustands der Welt ins Grübeln kommen.

Artist Talk mit den Filmemacher*innen in Anschluss an das Screening. Moderation: Lewon Heublein. In englischer Sprache

SKINFOLD ist eine choreografische Auflösung von Fleisch und Form und hebt die Gliederung in Körperteile auf. Beeinflusst von Monique Wittigs The Lesbian Body, das allgemeine Sprachregelungen in einer radikalen Neudefinition des Fleisches überwindet, sprengt SKINFOLD den starren Rahmen von Körper- und Sinneswahrnehmung. Die durch Erwartungen und Identität auferlegten verhärteten Formen werden verflüssigt. SKINFOLD zerbricht die konventionelle Grammatik des Körpers und verwandelt diesen in ein unbeständiges, wandelbares Terrain, auf dem Vertrautes in fließende Mehrdeutigkeit umschlägt. Die Haut faltet sich in sich selbst, die Grenzen der Gliedmaßen werden verwischt, und was einst stabil schien, wird zu etwas wunderbar Unbekanntem.

Erde, Holz, Asphalt, Erwärmung, Wandel: Der oft nichtbeachtete Boden wird in dieser Performance zum Erzähler und Archiv von Materialveränderungen. In Heat Island setzt Chiara Bartl-Salvi – gemeinsam mit den Tänzerinnen Chihiro Araki und Elena Francalanci – Schuhe als Werkzeug ein. Dabei wird die Reibung mit dem Boden zum zentralen Element von Choreografie und Sound. Eine Wechselwirkung in flüchtiger Intensität, bei der das Aufeinandertreffen von Kräften Rückstände hinterlässt. Reibung als physischer Prozess, aber auch als Interaktion mit urbanen Landschaften. Heat Island zitiert TikTok-Choreografien und Musikvideos, bewegt sich zwischen Vorbild und Nachahmung und wird durch dreistimmigen Gesang sowie wiederkehrende Klangvariationen ergänzt. Doch wer ist die*der Autor*in, wenn alles in ständiger Wiederholung begriffen ist?

Fantastische Organe ohne lebenswichtige Funktionen: Ihre Nebenprodukte sind Tänze, Klänge, Objekte und Poesie – eine Zusammenkunft von Liebenden, das Zelebrieren von Sinnlichkeit. Eine Erfahrung, die nicht an den Grenzen des Körpers haltmacht, sondern mit ihrer Umgebung verschmilzt.

babes kultiviert einen Raum, in dem die Fantasie die Materie und die Materie die Fantasie beherrscht und in der die Welt ausschließlich sinnlich erfahren wird. babes ist der Auftakt zu farkas’ erstem Gruppenstück mama, dem ersten Teil der choreografischen Forschung organ-ing, die den Körper infrage stellt, indem sie die Fantasie mit dem Körperlichen und dem Sinnlichen verwebt.

Erde, Holz, Asphalt, Erwärmung, Wandel: Der oft nichtbeachtete Boden wird in dieser Performance zum Erzähler und Archiv von Materialveränderungen. In Heat Island setzt Chiara Bartl-Salvi – gemeinsam mit den Tänzerinnen Chihiro Araki und Elena Francalanci – Schuhe als Werkzeug ein. Dabei wird die Reibung mit dem Boden zum zentralen Element von Choreografie und Sound. Eine Wechselwirkung in flüchtiger Intensität, bei der das Aufeinandertreffen von Kräften Rückstände hinterlässt. Reibung als physischer Prozess, aber auch als Interaktion mit urbanen Landschaften. Heat Island zitiert TikTok-Choreografien und Musikvideos, bewegt sich zwischen Vorbild und Nachahmung und wird durch dreistimmigen Gesang sowie wiederkehrende Klangvariationen ergänzt. Doch wer ist die*der Autor*in, wenn alles in ständiger Wiederholung begriffen ist?

Fantastische Organe ohne lebenswichtige Funktionen: Ihre Nebenprodukte sind Tänze, Klänge, Objekte und Poesie – eine Zusammenkunft von Liebenden, das Zelebrieren von Sinnlichkeit. Eine Erfahrung, die nicht an den Grenzen des Körpers haltmacht, sondern mit ihrer Umgebung verschmilzt.

babes kultiviert einen Raum, in dem die Fantasie die Materie und die Materie die Fantasie beherrscht und in der die Welt ausschließlich sinnlich erfahren wird. babes ist der Auftakt zu farkas’ erstem Gruppenstück mama, dem ersten Teil der choreografischen Forschung organ-ing, die den Körper infrage stellt, indem sie die Fantasie mit dem Körperlichen und dem Sinnlichen verwebt.

Erde, Holz, Asphalt, Erwärmung, Wandel: Der oft nichtbeachtete Boden wird in dieser Performance zum Erzähler und Archiv von Materialveränderungen. In Heat Island setzt Chiara Bartl-Salvi – gemeinsam mit den Tänzerinnen Chihiro Araki und Elena Francalanci – Schuhe als Werkzeug ein. Dabei wird die Reibung mit dem Boden zum zentralen Element von Choreografie und Sound. Eine Wechselwirkung in flüchtiger Intensität, bei der das Aufeinandertreffen von Kräften Rückstände hinterlässt. Reibung als physischer Prozess, aber auch als Interaktion mit urbanen Landschaften. Heat Island zitiert TikTok-Choreografien und Musikvideos, bewegt sich zwischen Vorbild und Nachahmung und wird durch dreistimmigen Gesang sowie wiederkehrende Klangvariationen ergänzt. Doch wer ist die*der Autor*in, wenn alles in ständiger Wiederholung begriffen ist?

Ein Affe, ein Roboter, ein Gemälde von Raffael oder Pippi Langstrumpf. Das alles formt den Atlas des Gedächtnisses; der Körper stottert ihn; die Stimme transformiert ihn wie ein Radio auf der Suche nach der Frequenz. Where the fuck am I? erkundet unterschiedliche Verkörperungen, vermischt Unterhaltung und Nostalgie, Verderben und Amüsement. Die Bühne ist ein Spielplatz für einen unaufhörlichen Bilderfluss, geteilte Erinnerungen und unruhige Repräsentationen. Der Tanz wird zu einem Chaos der Figuren, zu einer Collage aus Soundreferenzen. Zoé Lakhnati und Per Anders Kraudy Solli experimentieren mit der Stimme und dem sich bewegenden Körper. Beide sind Speicher für Erinnerungen. Auf der Bühne folgen, lenken, unterlaufen oder verstärken sie Sounds oder Bewegungen der*des jeweils anderen. Where the fuck am I? remixt Bilder, die womöglich die neuen Repräsentationen der Generation Z sind. Die erste Frage ist vielleicht: Wo sind wir?

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In den Arbeiten von Ivan Cheng, die meist an Kunstinstitutionen gezeigt werden, stehen der Kontext und Formen der Verdichtung im Zentrum. Mit der Performance Nowadays in den TQW Studios begibt sich Cheng in den Theaterraum, um seinem Interesse an der Sichtbarmachung von Theatermitteln nachzugehen und dem Publikum den Raum zwischen dem Material und seiner Interpretation aufzuzeigen. Nowadays ist maßgeblich von zwei Theaterstücken inspiriert, auf denen die berühmten Broadway-Musicals Chicago und Spring Awakening (nach Frühlingserwachen von Frank Wedekind) basieren. Beide Erzählungen werden für Cheng durch Missverständnisse und die Verschleierung von Fakten vorangetrieben. Nowadays nutzt historische und inszenatorische Referenzen, um auf die fragmentierte Gegenwart hinzuweisen, in der die Vorstellung vom Kriminellen oder Dissidenten immer noch durch Techniken der Repräsentation produziert und romantisiert wird.

Ein Affe, ein Roboter, ein Gemälde von Raffael oder Pippi Langstrumpf. Das alles formt den Atlas des Gedächtnisses; der Körper stottert ihn; die Stimme transformiert ihn wie ein Radio auf der Suche nach der Frequenz. Where the fuck am I? erkundet unterschiedliche Verkörperungen, vermischt Unterhaltung und Nostalgie, Verderben und Amüsement. Die Bühne ist ein Spielplatz für einen unaufhörlichen Bilderfluss, geteilte Erinnerungen und unruhige Repräsentationen. Der Tanz wird zu einem Chaos der Figuren, zu einer Collage aus Soundreferenzen. Zoé Lakhnati und Per Anders Kraudy Solli experimentieren mit der Stimme und dem sich bewegenden Körper. Beide sind Speicher für Erinnerungen. Auf der Bühne folgen, lenken, unterlaufen oder verstärken sie Sounds oder Bewegungen der*des jeweils anderen. Where the fuck am I? remixt Bilder, die womöglich die neuen Repräsentationen der Generation Z sind. Die erste Frage ist vielleicht: Wo sind wir?

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In den Arbeiten von Ivan Cheng, die meist an Kunstinstitutionen gezeigt werden, stehen der Kontext und Formen der Verdichtung im Zentrum. Mit der Performance Nowadays in den TQW Studios begibt sich Cheng in den Theaterraum, um seinem Interesse an der Sichtbarmachung von Theatermitteln nachzugehen und dem Publikum den Raum zwischen dem Material und seiner Interpretation aufzuzeigen. Nowadays ist maßgeblich von zwei Theaterstücken inspiriert, auf denen die berühmten Broadway-Musicals Chicago und Spring Awakening (nach Frühlingserwachen von Frank Wedekind) basieren. Beide Erzählungen werden für Cheng durch Missverständnisse und die Verschleierung von Fakten vorangetrieben. Nowadays nutzt historische und inszenatorische Referenzen, um auf die fragmentierte Gegenwart hinzuweisen, in der die Vorstellung vom Kriminellen oder Dissidenten immer noch durch Techniken der Repräsentation produziert und romantisiert wird.

Die Oberfläche reflektiert das Licht in blassblauer Farbe. Der Schimmer wird als nichts anderes als der eigene erkannt. Die Schwerkraft, das Gewicht, wie es in der Hand liegt. Ein Spritzer auf das linke Handgelenk, das rechte Handgelenk, die Mitte des Halses. It takes you there. Wer würde es nicht gerne besitzen? Dreh dich um, niemand in Sicht. Ein leises Flüstern: Trau dich … Etwas lustig ist es schon, denn hast du dir nicht gerade erst gedacht: Never would I steal a drug store perfume.

Dies ist ein Hintergrund, ein Schauplatz, eine Einstellung.