Tanzquartier Wien

Meyoucycle (Me-you-cycle) ist ein politisches Sci-Fi-Fantasy-Musical über individuellen Ausdruck im Zeitalter von Turbokapitalismus und digitaler Interaktion. In naher Zukunft hat die Gruppe „Poetic Terrorists and Emotional Hackers“ sich in die Anonymität zurückgezogen. Ihre Mitglieder halten sich im Dunkeln auf – im „dark web“, in Wäldern, im Unbekannten, im Unterbewussten. Sie entziehen sich einem alles durchdringenden System, das jegliche Kommunikation zwischen Menschen in Gewinn transformiert. Um die eigene Freiheit zurückzuerobern, müssen die „Poetic Terrorists and Emotional Hackers“ die eigene Identität abschütteln und sich dauerhaft transformieren: Sie eignen sich immer wieder die Merkmale verschiedener Genres an, durch Performance, Musik, durch sich verändernde Benutzung von Sprache und physischem Ausdruck wird ein immer neuer Bedeutungshorizont geschaffen.

„Anyone who leaves a performance by Jefta van Dinther has understood the meaning of synaesthesia.“ — Astrid Peterle

Die Unterhaltung zweier nackter Männer ist der Ausgangspunkt von Jefta van Dinthers Fiebertraum Dark Field Analysis. In einem Setting aus diffusem Licht zerfließen Zeit, Körper und der von PJ-Harvey-Songs inspirierte Sound zu einem synästhetischen Ort der Entgrenzung. Die Körper der beiden Männer wirken geradezu virtuell, und trotz Nacktheit ist weder Erotik noch Sexualität Thema. Die Faszination für Blut ist das zentrale Motiv. So verweist der Stücktitel auf eine Methode zur mikroskopischen Blutuntersuchung. Die schwarz-rote Materie ist hier nicht beängstigend, sondern seltsam berührend und anziehend. Dark Field Analysis ruft die Intensität des Lebendigen auf, indem die Menschen in Beziehung zu anderen Lebensformen gesetzt werden. Ein unheimlicher Ausnahmezustand als audiovisuelle Erfahrung, bei der der eigene Körper kaum mehr von seiner Umgebung zu unterscheiden ist.

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„Comic genius … Gunn’s text is intricate and often brilliant, full of unpredictable digressions and curious factoids. It’s the verbal equivalent of skimming stones over water.“ — Cameron Woodhead/The Age

Die australische Performancekünstlerin Nicola Gunn versteht es wie kaum eine andere, eine moralisch komplexe Fragestellung in eine entwaffnend einfache und selbstironische Erzählung voller Humor und Reflexion zu verpacken. In Piece for Person and Ghetto Blaster wagt sie sich in die unangenehmen Sphären menschlichen Verhaltens vor und seziert – mit einem bestechenden Mix aus Erzählung, Tanz und Performancekunst – das ethische Dilemma einer zugleich alltäglichen und surrealen Situation. Erinnerungen an die irritierende Begegnung mit einem Fremden verbinden sich mit philosophischen Betrachtungen über Konflikte, moralischen Relativismus, ethische Fragen der Intervention und die eigentliche Funktion von Kunst.

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„Sie zitieren Balanchine in einer ironischen Feier der Schönheit. Die Lyra wird zum Henkersbeil, der Gott ist ein Rodeo-Stierautomat und den Weg zum Parnass beschreiten sie in einer mit Dildos verknüpften Polonaise, garantiert nicht unplugged. Ein überlegen kluger, angstfreier, grandioser Abend.“ — Egbert Tholl/Süddeutsche Zeitung

Florentina Holzinger kennt keine Berührungsängste, wenn es darum geht, ungewöhnliche Genres neu zu remixen. Seit 2011 bereichert sie die internationale Performanceszene mit schwindelerregender Akrobatik, muskulösen Frauenkörpern und Martial-Arts-Kampfszenen – popkulturelle Referenzen und ein Faible für Trash kommen dabei nicht zu kurz. In ihrer neuesten Arbeit Apollon erobern sechs nackte Frauen George Balanchines gleichnamiges neoklassisches Ballett aus dem Jahr 1928, das vom Gott der Künste und seinen drei Musen handelt. Holzinger und ihre Kolleginnen haben jedoch anderes im Sinn, als um den Posterboy des Olymp zu tänzeln. Sie sind selbst die Stars dieser Show. Dabei haben sie teils bizarre und waghalsige Tricks auf Lager. Mit schwarzem Humor und Elementen der Zirkus-Freakshow und der 1960er-Jahre-Live-Art bewaffnet zielen die Performerinnen auf den neoliberalen Körperkult und dessen voyeuristische Mechanismen. Sie werfen in Spitzenschuhen und mit olympischen Gewichten auf ihren Schultern den eitlen Gott von seinem Thron auf dem Parnass.

„Ein klar formuliertes Manifest für die Gleichwertigkeit aller Körper auf der Tanzbühne – hier exklusiv dargebracht von Darstellern jenseits der Norm.“ Der Standard

„Die unterschiedlichen Performer_innen arbeiten am Öffnen ihrer physischen Potenziale. Ich entdecke im Prozess mehr und mehr, dass auch eine sehr kleine Bewegung vehement sein kann. Normative Vorstellungen und Konzepte von Energie und Kraft werden destabilisiert, ins Wanken gebracht.“ Doris Uhlich

Nach dem Duett Ravemachine lässt Doris Uhlich in diesem Ensemblestück für Menschen mit physischen Beeinträchtigungen individuelle und gemeinschaftliche „Energietanzformen“ entstehen. Jeder Körper hat spezifische Möglichkeiten, seine Dynamik und seine fleischliche Freude zu artikulieren. Die Bewegungen selbst ermöglichen dem Körper, sich aufzuladen, sie werden zu einer Art körpereigenem Treibstoff.

Every Body Electric ist eine radikale Einladung, tänzerisch Potenziale zu erforschen, diese sichtbar zu machen und tief in eine energetische Archäologie einzutauchen. Welche weiteren Möglichkeiten eröffnen sich, wenn Maschinen – wie Rollstühle, Prothesen, Krücken – nicht als Hindernisse, sondern als Körpererweiterungen begriffen und auch als solche inszeniert werden? Persönliche Rhythmen, Dynamiken, Beats und Körpereigenschaften führen zu sehr individuellen Tanzstilen. Die Sprengkraft, aber auch die zarte bis kraftvolle Poesie von Every Body Electric liegt letztlich darin, wie sich die Körper selbst erfahren und auch wie sie wahrgenommen werden.