Tanzquartier Wien

Deborah Hay gilt als eine der einflussreichsten Choreograf*innen des postmodernen Tanzes im 20. und 21. Jahrhundert. Sie war Gründungsmitglied des experimentellen Judson Dance Theater und tourte weltweit mit der Merce Cunningham Dance Company. Ihre kreative Energie, Methoden und Praxis inspirieren Generationen von Tänzer*innen auf der ganzen Welt bis heute. Ende Februar zeigt die Choreografielegende im Tanzquartier Wien zwei neue Arbeiten.

Animals on the Beach

Sie sehen aus wie Tiere am Strand, fand Deborah Hay, als sie Workshopteilnehmer*innen beobachtete und nicht sicher war, was sie da eigentlich wahrnahm: Es war präzis, aber auch poetisch und rätselhaft. Diese Assoziation führte sie zum Titel ihres neuen Stücks, Animals on the Beach. Darin arbeitet Deborah Hay mit fünf Tänzer*innen zusammen, die die Intimität und Stringenz ihrer Performancepraxis kennen, aber auch ihr eigenes Wissen einbringen. Denn die Choreografin interessiert sich weniger für die Bewegung selbst als für die Person, die tanzt, und für die Beziehungen, die dieser Tanz schafft.

my choreographed body … revisited

Alles, was Deborah Hay je getan hat, ist Tanz. Fünfzig Jahre Praxis haben sie selbst als Künstlerin zutiefst choreografiert, sie wurde geformt von ihrer eigenen Hingabe. Um ihr Interesse am Feld des Tanzes über diesen langen Zeitraum zu bewahren, hat Deborah Hay ihre Vorstellungen von Bewegung, Performance und Praxis kontinuierlich erweitert, die Grenzen verschoben und von ihrem Körper gelernt. In ihrem neuen Solo my choreographed body … revisited zollt sie diesem Erfahrungsschatz Tribut – und lässt zum ersten Mal die Kompositionsstruktur hinter sich, die ihre Solos voneinander unterschied.

+++ Veranstaltung abgesagt +++

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„Liberating the imagination is at the heart of my research, whatever form it takes.” — Nacera Belaza

Le Cercle ist eine Choreografie aus Sufismus, Breakdance und der nahezu mathematischen Präzision des Modernismus. Die Bewegungen der Tänzer*innen sind von einer amorphen und dennoch strukturierten Kraft, als würden sie von einem tiefen Atemzug getragen. Nacera Belaza verwebt das Erbe traditioneller Formen mit der Abstraktion des zeitgenössischen Tanzes und widersetzt sich jeglichem Versuch der Klassifizierung. Le Cercle evoziert ein Gefühl der Freiheit. Die Tänzer*innen stehen wie Silhouetten am Rand eines Lichtkreises und werfen die politische Frage auf, was es bedeutet, sichtbar zu sein.

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+++ Veranstaltung verschoben auf Herbst 2020 +++

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Nach fünf ausverkauften Vorstellungen im Oktober kehrt das Kultstück an seinen Entstehungsort zurück. TANZ ist der Abschluss von Florentina Holzingers Trilogie über den Körper als Spektakel und dessen Disziplinierung. In einer Ballettklasse unter der Leitung von Beatrice Cordua, der ersten Ballerina, die Le sacre du printemps nackt tanzte (in John Neumeiers Bearbeitung Le Sacre, 1972) durchlaufen die Performer*innen eine strenge Ausbildung in „Aktionsballett“, die sogenannten „Sylphic Studies“. In gemeinsamen Ritualen lernen sie, Körper und Geist zu beherrschen und eignen sich übernatürliche Kräfte wie das Fliegen an. Eine Suche nach Perfektion in einer vergänglichen Welt, bei der das Derbe in das Erhabene verwandelt wird. In einem opernhaften Setting zwischen Märchenwald und Hexensabbat entstehen brutale Parodien auf sensationslüsterne Bilder, wie man sie aus Ballett, Komödie und Pornografie kennt. Mit einem Cast bestehend aus Frauen im Alter von zwanzig bis achtzig Jahren, die alle einen unterschiedlichen Background im Tanz haben, wirft das Stück die Frage nach dem Erbe des Tanzes auf. Wie versöhnt man sich mit dem Schönheitskult dieser Tradition?

„Feminism, of course, has always been an exercise in science-fiction.“ — Laurie Penny

„Nach diesem Abend kann man nie mehr unschuldig in die Oper gehen.“ — profil

„… ihr bisheriges Masterpiece“ — Der Standard

„In the end, radical entertainment is always the goal.“ — Spike 

+++ Veranstaltung verschoben auf Herbst 2020 +++

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Den choreografischen Archetyp des Duetts infrage stellend inszeniert Alexandra Bachzetsis in ihrem jüngsten Stück Chasing a Ghost diverse Doppelgänger aus Körpern, Sounds, Räumen und Bildern in einem Spektrum aus Gewalt und Begierde. Im Zentrum dieser Dualität steht der Begriff des Unheimlichen – „the uncanny“: ein entfremdetes Phänomen in einem scheinbar wohlbekannten Kontext. „The uncanny“ verweist aber auch den potentiellen Akt der Transgression. Unsere unterdrückten Impulse und unser Unterbewusstsein können jederzeit in die jeweilige Realitätserfahrung einbrechen.

Chasing a Ghost umfasst eine Choreografie für fünf Tänzer*innen (einschließlich der Künstlerin selbst), eine von zwei Pianist*innen live gespielte Originalmusikpartitur, und ein Bühnensetting aus Bewegungen und Bewegtbildern. Trotz ihrer ständigen Beziehung zueinander werden die Verbindungen dieser Elemente absichtlich gestört. So verwandelt Bachzetsis das Duett in beunruhigende Abbilder und die Bewegung zwischen zwei Körpern in eine ewige Folie à deux, die schonungslos den eigenen Blick auf andere und uns selbst herausfordert.

„Immerhin ist das Lachen insofern ästhetischer Natur, als Komik immer in Momenten auftritt, wo die Gesellschaft und die Einzelnen frei von jeder Sorge um ihre Existenz sich selber wie einem Kunstwerke gegenüberstehen.“ — Henri Bergson, Das Lachen (1900)

„Little by little, laughter becomes an absolute norm […] The dancers give the fatal impression that something of humanity ends up being lost.“ — Libération

Augusto ist ein Stück über das menschliche Bedürfnis, bedingungslos geliebt zu werden, und über den Schmerz, wenn dies nicht der Fall ist. Zugleich eine Hommage auf den dummen August – den Loser im Zirkus, der nicht aufhören kann zu lachen, auch wenn es eigentlich zum Weinen wäre.

Wenn wir lachen, werden achtzig Muskeln im ganzen Körper betätigt, die Stimme ändert sich, das Zwerchfell tanzt. Doch das Lachen hat, abgesehen von den physiologischen Aspekten, noch tausend andere Facetten. Angelegt als Recherche, wie sich Stimme, Körper und Bewegung auf der Bühne zueinander verhalten, lässt der preisgekrönte italienische Choreograf Alessandro Sciarroni den neun Tänzer*innen in Augusto nur eine Ausdrucksmöglichkeit: das Lachen. Egal ob sie gehen, laufen oder tanzen, Trauer, Euphorie, Angst oder Schmerz empfinden. Es wird obsessiv gelacht, ohne den Grund dafür benennen zu können. Immer unkontrollierter, bis es wehtut.

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