Tanzquartier Wien

„One is as if transported through the dust of time, in a tranquil dream and of a great richness, on the verge of reaching a truth which always escapes, finally opening up to an infinitely poetic prophecy.“ — Tomas Adam-Garnung, Ballroom Revue

In The Quiet beschäftigt sich der schwedische Choreograf Jefta van Dinther am Beispiel von fünf Frauen mit dem, was eine Generation an die nächste weitergibt. Es ist eine beunruhigende Choreografie, die aus der Zeit gefallen scheint. In ihrem stillen Handeln empfangen die Frauen ihre Impulse aus traditionellen oralen Formen. Rezitierend, singend und betend bewegen sie sich kraftvoll innerhalb und außerhalb definierter und definierender Muster und überführen das Alltägliche in die Transzendenz.

Gemeinsam mit seinen langjährigen Künstlerkolleg*innen, der Lichtdesignerin Minna Tiikkainen, dem Sounddesigner David Kiers und der Kostüm- und Bühnenbildnerin Cristina Nyffeler führt Jefta van Dinther die für seine Choreografien typische Verknüpfung von Raum, Klang, Licht und Körper fort. In seinen Stücken befasst er sich mit der Illusion, dem Sichtbaren und dem Unsichtbaren, der Synästhesie, der Dunkelheit, der Arbeit, dem Unheimlichen, dem Affekt, der Stimme und dem Bild.

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Habitat / Halle E ist Doris Uhlichs bislang größte Choreografie: Die nackten Körper von 120 Menschen schnalzen, vibrieren und klatschen zu elektronischen Sounds und abstrakten Techno-Tracks aufeinander. Die Performer*innen zelebrieren ihre Einheit in der Vielfalt. Als Individuen und Masse zugleich erobern sie den Raum in einer einnehmenden von hochenergetisch bis kollektiv ruhenden Choreografie. Die Halle E verwandelt sich in ein „Habitat“ voller ungeahnter Lebensformen – das Publikum bewegt sich frei im Raum. Dabei sprengt Habitat subversiv gängige Vorstellungen vom Körper, von Tanz und Nacktheit. Habitat ist eine Utopie. Eine schamlose, aber auch schambefreite Hymne auf einen nackten Körper jenseits von kulturellen Einschreibungen und gängigen Schönheitsidealen. Der Körper wird nicht zum Fetisch, zum Objekt degradiert und Fleischlichkeit nicht metaphorisch oder poetisch ideologisiert, sondern materiell aufgefasst und dabei mit seiner ganzen Masse und Wucht, aber auch in seiner Fragilität gezeigt.

„For many years, I’ve been thinking about ghosts as unfinished business, and the way in which unresolved conflicts affect both our presence and our movements. Our bodies are constantly shuttling between objects, sounds, lights, voices and unprocessed events from the past. This might awaken a dormant presence, whether we like it or not.“ — Meg Stuart

Celestial Sorrow ist eine Entdeckungsreise durch imaginäre und unsichtbare Räume, ein hypnotisierender poetischer Trip zu den Geistern der Vergangenheit. Emotionsgeladen und voller Assoziationen begibt sich Meg Stuart auf eine Reise in die menschliche Psyche. In einem vom indonesischen Künstler Jompet Kuswidananto gestalteten Raum aus unzähligen Glühlampen legen drei Tänzer*innen Erinnerungsschichten frei. Sie entwerfen begleitet vom treibenden Livesounds der experimentellen Musiker*innen Mieko Suzuki und Ikbal Simamora eine poetische Welt aus Licht und Bewegung.

Als Ludwig van Beethoven vor fast zwei Jahrhunderten sein Streichquartett Nr. 15 in a-Moll op. 132 in Wien schrieb, war der Komponist beinahe vollständig taub. Für Danza Permanente übertragen Choreografin DD Dorvillier und Komponistin Zeena Parkins kompositorische Strukturen und klangliche Qualitäten der Partitur in tänzerische Bewegungen. Die vier Tänzer*innen sind dabei jeweils einem der vier Instrumente zugeordnet. Bis in die feinsten Nuancen folgt die Choreografie der musikalischen Notation und verwebt die tänzerischen Stimmen zu einem dichten und dynamischen Bewegungsstrom. Die Tänzer*innen sind sichtbare Musik, ohne dass die Musik hörbar erklingt.

Die New Yorker Multiinstrumentalistin Zeena Parkins ist eine Pionierin der zeitgenössischen Harfe. Im zweiten Teil des Abends stellt sie ihre jüngste Komposition Captiva im Tanzquartier Wien vor. Die Captiva-Stücke basieren auf einem System einfacher Regeln, die in ihrer Kombination unbegrenzte Möglichkeiten der musikalischen Entfaltung bieten. Einem kosmischen Muster folgend bereitet jeder einzelne Klang Raum für den nächsten. Captiva entwickelt sich mit jedem Konzert weiter, es enthält alle vergangenen Versionen und verweist bereits auf zukünftige.

„Feminism, of course, has always been an exercise in science-fiction.“ — Laurie Penny

Seit 2011 bereichert Florentina Holzinger die internationale Performanceszene mit schwindelerregender Akrobatik, muskulösen Frauenkörpern und Martial-Arts-Kampfszenen – popkulturelle Referenzen und ein Faible für Trash kommen dabei nicht zu kurz. Mit TANZ schließt Florentina Holzinger ihre Trilogie – Recovery und Apollon waren die ersten beiden Teile – über den Körper als Spektakel und dessen Disziplinierung ab. Den Rahmen von TANZ bildet eine Ballettklasse unter der Leitung von Beatrice Schönherr, der ersten Ballerina, die Le Sacre du printemps nackt tanzte (in John Neumeiers Bearbeitung Le Sacre, 1972). Die Performer*innen durchlaufen eine strenge Ausbildung in „Aktionsballett“, die sogenannten „Sylphic Studies“. In gemeinsamen Ritualen lernen sie, Körper und Geist zu beherrschen und eignen sich übernatürliche Kräfte wie das Fliegen an. Eine Suche nach Perfektion in einer vergänglichen Welt, bei der das Derbe in das Erhabene verwandelt wird. In einem opernhaften Setting entstehen brutale Parodien auf sensationslüsterne Bilder, wie man sie aus dem Ballett, aus Komödien und aus der Pornografie kennt. Das Blickregime findet Reflexion in der Figur eines Pornoproduzenten, der die Aufführung dokumentiert. Mit einem Cast bestehend aus Frauen im Alter von zwanzig bis achtzig Jahren, die alle einen unterschiedlichen Background im Tanz haben, wirft TANZ die Frage nach dem Erbe des Tanzes auf. Wie versöhnt man sich mit dem Schönheitskult dieser Tradition?